EL ARTE ABSTRACTO

En el siglo XIX se produjo una ruptura en el mundo del arte, con la aparición de la fotografía ya no tiene sentido pintar la realidad, y por tanto, el arte perdió su sentido. Surge así la abstracción y el arte pasa de tener una función estética a una función expresionista. Es aquí donde encontramos la conexión entre arte y arteterapia.

El ARTE ABSTRACTO es lo opuesto al concepto de arte figurativo, en él se acentúan las formas alejándolas de la imitación o reproducción fiel, se rechaza la copia del modelo exterior y el arte empieza a profundizar en la conciencia del artista.

Una obra  abstracta no puede hacer referencia a algo exterior,  sino proponer una nueva realidad distinta a la natural. Por tanto, para crear una obra abstracta necesitamos tomarnos ciertas libertades en cuanto al color, las formas y  las perspectivas. Cobra menor importancia la parte técnica de la obra y es más importante lo que se quiere trasmitir con ella, lo que hace también que se vuelva más accesible para todos.

Os mostramos un buen ejemplo de ello:

(¿Qué os sugiere la obra “Carretera al espacio”?, ¿hacia dónde os lleva esta curiosa carretera?, ¿con qué la relacionáis?, y ¿a qué os lleva a pensar? Nos encantaría que escribierais vuestros comentarios en el blog).

Alrededor de 1910 varios artistas comenzaron a experimentar con la abstracción. Se inspiraron en varias fuentes, pero tenían en común el deseo de cuestionar la representación como lo único que importa en el arte. Algunos artistas desafiaron el tratamiento tradicional de la forma, otros decidieron buscar opciones ofrecidas por el color y la luz. Para algunos, la velocidad y la energía se convirtieron en una preocupación, mientras que para otros, el ejemplo de la música proporciono una dirección nueva.

Al poder jugar libremente con todos estos elementos, el creador de la obra no siente que tenga que copiar la realidad o alcanzar una copia exacta de un modelo. La persona que puede crear libremente una obra abstracta crea desde su interior, desde las cosas que ha vivenciado y que le influyen, desde sus sentimientos y sus emociones, por lo que toda persona es capaz de crear una obra abstracta.

Por todo lo anterior, en el taller de arteterapia hemos comenzado a realizar un recorrido por la vida y obra de artistas abstractos, pues mi objetivo es facilitar la expresión creativa y que puedan tener referentes de artistas renombrados que crearon desde sus vivencias y no desde modelos impuestos.

Trabajamos durante varios talleres sobre la obra de Van Gogh y conocimos algo del impresionismo, pasamos al cubismo para profundizar  en la obra de Picasso, dimos un nuevo salto y conocimos el arte de Jackson Pollock, pues la libertad total que supone lanzar pintura a un lienzo no puede compararse con nada anteriormente conocido en el mundo del arte, facilitando que la imaginación nos lleve a reflexionar y pensar sobre lo que hemos hecho y además, implicamos al cuerpo y sus movimientos para crear distintos grosores o velocidades al lanzar pintura.

En este caso además de gotear pintura o lanzarla añadimos el dibujar algo sobre la obra, ¿qué os parece?, para algunos participantes eran un escorpión, para otros un rayo en medio de una tormenta, y ¿para vosotros? Esperamos vuestras respuestas…

… Y seguimos con Ludwig Van Beethoven

“La música es para el alma, lo que el ejercicio físico es para el cuerpo”. Platón

Conocer e investigar la vida de Beethoven nos ha hecho disfrutar de su música y ponerle color a esta.

Para trabajar la vida de Beethoven comenzamos utilizando el taller de informática con el objetivo de usar internet para la búsqueda de información, al igual que el programador de textos para saber cómo seleccionarla y elaborar un documento a modo de resumen que recogiera aquellos datos que más les llamasen la atención de esta persona.

En parejas, fueron anotando aquello que más les llamó la atención, como por ejemplo:

“El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Mozart diese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiese sus mismos pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad. Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara el piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedar en casa para practicar”.

“Que tras la enfermedad de su madre y la terrible depresión que sufrió su padre, tuvo que dedicarse a tocar el violín en una orquesta y dar clases de piano para poder mantener a la familia”.

“Beethoven, uno de los compositores más extraordinarios de la historia, parece  ser que fue otro de los grandes genios afectados por trastorno bipolar. O al menos eso se cree ahora. De carácter irascible y con tendencia a deprimirse, el compositor alemán llevó una vida problemática –también debido a su imparable sordera-, y mostró su genio sin ningún reparo. Tanto era así que no vacilaba en dejar de tocar si entre su público alguien se ponía a cuchichear”.

Una vez que ya sabíamos algo más sobre la vida de Beethoven escuchamos algunas de sus sinfonías. Mientras escuchábamos la música de este genio se pidió al grupo que pintasen aquello que les sugería su música.

Os mostramos a continuación algunos de las obras que el grupo elaboró

                   

         

    En el taller de Arteterapia pretendemos abrir espacios para la palabra y la creación con otros. En este taller hemos incorporado la música, pues pensamos que escuchar música resulta una actividad muy relajante y además, muy adecuada para la creación artística. Facilita que las personas puedan entrar en contacto con su interior y concentrarse en sus pensamientos, por ello, pueden expresar aquello que les sugiere la música que escuchan, dejarse llevar hacia nuevos lugares, lugares para crear, para jugar, para habitar y vivir. 

Puesto que nuestro objetivo es posibilitar que las personas puedan desarrollar sus potencialidades personales, creemos que este taller ha sido de gran ayuda,  al introducir una novedad en el proceso de creación que normalmente seguimos y, parece que introducir nuevas condiciones para la creación, facilita que la persona vaya elaborando y encontrando nuevas imágenes a procesos internos que le hacen sufrir o le generan conflicto.

EL CUBISMO Y PICASSO

El trimestre pasado lo finalizamos conociendo el arte abstracto y una de sus figuras más representativas: Jackson Pollock.

La metodología empleada a lo largo de estos talleres ha sido variada, pues por un lado, hemos investigado sobre la vida del artista y sobre el moviendo artístico al que pertenece, y por otro, hemos aplicado técnicas creadas o utilizadas por estos artistas para crear las obras en el taller.

Así, en el trimestre anterior, conocimos qué era el arte abstracto leyendo cosas sobre este movimiento artístico y visionando obras de distintos autores.

El siguiente movimiento de arte  abstracto que hemos trabajado en el taller ha sido el CUBISMO y a sus máximos representantes: Picasso, Brake y Juan Gris.

En este caso, durante varias sesiones, leímos biografías sobre Picasso y visionamos sus obras. Vimos como el pintor fue evolucionando desde su pintura realista, pues con tan solo 16 años ya era un artista costumbrista sorprendente, a ser el precursor de una de las vanguardias europeas más importantes e influyentes del siglo XX.

A la vez que íbamos investigando sobre la vida y épocas artísticas de Picasso,  en el taller, se les proponía desmontar una imagen, es decir, empezamos con ejemplo sencillos que consistían en elegir una fotografía, cortarla en trozos y pegarla sobre una superficie pero de manera distinta a como era antes, o escoger una fotografía y trasladarla al folio pero utilizando formas cubistas como son: el cubo, el cono o la esfera. Se ha trabajado así para  acercarnos al cubismo y entender el movimiento.

Durante otros talleres nos centramos en una de las obras más importantes de Picasso: El Guernica, que nos dio pie a hablar de la historia de España y de los horrores que supone cualquier guerra.

Quizás la mejor manera de presentar el Guernica sea diciendo que el cuadro o la lámina que tenemos delante es un símbolo de la paz. De esta manera será la mejor forma para poder comprenderlo antes de explicar las razones por las que se pinta.

El cuadro fue encargado por el gobierno republicano para la Exposición Universal que tenía lugar en París en el año 1937 y este cuadro estaba destinado al pabellón que allí tenía España.

Pocos meses antes se había producido el bombardeo de la ciudad vasca de Guernika realizado por aviones alemanes. Lo importante de este bombardeo es que es uno de los primeros que se realiza sobre población civil sin avisar antes, de manera que la gente al no estar preparada no tiene donde esconderse y el número de muertos inocentes es muy grande. La destrucción de la ciudad fue prácticamente total.

Como el cuadro iba a ser expuesto en Paris, los extranjeros debían asociarlo con España y con aquello que estaba ocurriendo en España en ese momento. Animales como el toro o el caballo ayudan a identificar el cuadro con nuestro país. A ello se une que todos los personajes que aparecen gritan de dolor, sufrimiento porque en España hay una guerra civil y están muriendo muchas personas, es una lucha de hermanos contra hermanos. Aunque el cuadro trasciende la guerra civil española para convertirse en representativo del dolor y la muerte que causa cualquier guerra. Unido a ello tenemos que Picasso es un pintor cubista y las características del cubismo se dan cita en esta obra: no hay tercera dimensión, se descomponen los cuerpos para tomar diferentes puntos de vista, se pinta de forma esquemática los cuerpos y objetos. Todo ello acompañado del color gris que tiene la obra y que le añade un componente expresionista al cuadro. El cuadro se encuentra en la segunda planta del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Action Painting

(Francisco Javier. 11/11/13)

Con el fin de lograr una mayor espontaneidad en sus gestos y entender que otra forma de crear es posible, y no solo la de dibujar de forma concreta, se planteó un taller de TÉCNICAS EXPRESIVAS. Entre estas técnicas se utilizaron las de gotear pintura  sobre el lienzo,  utilizar pajitas para extender la pintura y, de manera grupal, crear un lienzo de grandes dimensiones utilizando la técnica del dirpping.

Estas técnicas implican mover el cuerpo, facilitan la espontaneidad creativa y nos hacen entender que otras formas de comunicación son posibles.

(Toni 11/11/13)

Una vez vista la biografía de Jackson Pollock y sus obras, el grupo experimenta el Dripping (técnica inventada por este pintor que consiste en gotear pintura sobre el lienzo).

Se preparó un papel en el suelo y acuarelas líquidas para que todos pudieran participar y pintar sobre el lienzo grupal. Una vez realizado el trabajo se pidió a los participantes que escribieran aquello que la imagen les sugería, con lo que se trabajaba el objetivo propuesto de desarrollar la expresión verbal de sus emociones a través de las imágenes.

 A continuación os  mostramos las imágenes del proceso y algunos de los textos recogidos:

El arco iris roto:

“Me imagino un atardecer soleado, en el que de repente, empieza a nublarse el cielo, chispea y sale el arco  iris majestuoso en el cielo como una corona. Quedo embobada mirándolo y observo cómo la tarde poco a poco, va empeorando. Llueve más y más, caen truenos y relámpagos, y empieza a caer agua como un torrente claro. El arco iris ha desaparecido, es como si uno de los relámpagos lo hubiese fulminado. La tarde pasa a ser noche, me acosté y todavía llovía….”

 La estrella de distintos colores:

“La estrella PHANTIAM es una estrella a la que se dirigen seres terrestres y seres extraterrestres del planeta Xuram, pues es en ella donde los seres encuentran la paz y la armonía.

Al principio los seres de la tierra se veían escandalizados por su luz. Pero tras los primeros viajes, descubrieron que debían ponerse unas gafas protectoras que les permitiera acercarse a esa estrella. Gracias a estas gafas pueden acercarse a ella y descubrir cosas maravillosas.

También van a esa estrella otros extraterrestres de los planetas Gagia, Pomzem y Quantam, buscando la armonía universal que en sus planetas no encuentran.

Y esta es la historia de tan singular estrella.” (Francisco Javier)

El Big Bang del universo:

“Hace mucho tiempo el universo se creó de un Big Bang de millones de estrellas, las cuales estallaron creando el universo de colores. La pintura representa a una vía láctea llena de colorido. Me gusta como ha quedado nuestro universo y me ha llenado de ilusión”.

La primavera:

“Durante un crudo invierno, con mucho frío, el jardín ha permanecido dormido. Estamos en abril y la temperatura ha empezado a mejorar. Hay más sol y en el jardín las plantas empiezan a florecer. Los capullos se van abriendo y descubren flores rojas, amarillas, azules, naranjas… Todo es alegría al verlo y nos gusta pasar las tardes contemplándolo”. (Pedro Carlos)

Analizando el taller, creemos que también se han alcanzado el objetivo de reconocer sus potencialidades y aumentar su autoestima,  ya que al finalizar el taller se les preguntaba cómo se habían sentido y muchos expresaban su satisfacción ante el trabajo realizado y los miedos al comienzo de la actividad.

(Matilde 26/11/13) y (Pepe 26/11/13)

¿Quién es Jackson Pollock?

Siguiendo con la actividad de “¿quién es él?” investigamos sobre la vida de este pintor norteamericano. Esto nos ha permitido conocer el arte abstracto y entender el por qué de este arte.

Con él apareció una nueva forma de conceptualizar el formato de la obra, en la que el proceso era más importante que el resultado final. El diseño de su pintura no tenía relación con la forma o el tamaño del lienzo, como se hacía en la pintura convencional; de hecho, muchas veces tuvo que cortar la pieza ya terminada para ajustar la imagen.

La abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influida por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo.

El Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural; rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural, usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía).

Destacamos de la vida de este autor, durante los talleres, que: Jackson Pollock fue un pintor estadounidense. Que durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League.

Que adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.

Que se convirtió en uno de los artistas más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

Y su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.

                                                                          Jackson Pollock: Lucifer, 1947.

Comenzamos con Edgar Allan Poe…

Mural realizado por el grupo 3 del CD Las Torres de Cotillas.

A través de estos talleres pretendemos posibilitar que las personas puedan desarrollar sus potencialidades personales y consigan tener una evolución más satisfactoria de sus capacidades. Que puedan interesarse por la cultura y conozcan la vida y obras de personas que tuvieron algún tipo de enfermedad mental.

Crear una obra requiere involucrar a la imaginación, la intuición, el pensamiento y las emociones. Además cuando la obra que se crea es conjunta, necesita que los miembros del grupo trabajen en equipo, colaboren y negocien entre todos como elaborarla.

En el mural, que hemos trabajado sobre E. Allan Poe,  colocamos su fecha de nacimiento y de defunción, el título de una de  sus obras que ha sido leída en los talleres: “El escarabajo de oro”, algunas de las redacciones elaboradas por los grupos y una frase del escritor:

“Los que sueñan de día son conscientes de muchas cosas que escapan a los que sueñan sólo de noche”.

Dicha frase nos permitió trabajar sobre los sueños e ilusiones que cada persona tiene. Y la historia del escarabajo de oro sirvió para que cada uno inventara un desenlace del cuento antes de conocer el del escritor.

Para esta actividad se  mostró al grupo la foto sin nombre del personaje. Al preguntarles si sabían quién era, todos mostraron su desconocimiento, y al mismo tiempo, su interés por conocer a la persona y saber a qué se dedicaba.  A continuación, se les entregó una pequeña biografía del autor para que trabajasen por grupos y destacasen aquello que más les había llamado  la atención del personaje.

Mostramos a continuación algunas de las redacciones elaboradas por los participantes del taller:

“Nos ha llamado la atención que fue considerado el inventor del relato detectivesco, que fue el primer escritor estadounidense de renombre que intentó hacer de la escritura su modo de vida y que eso, tuvo para él lamentables consecuencias. Que la causa de su muerte nunca fuera aclarada y se atribuyera a un montón de cosas. Que fue un importante escritor en su país, que era amigo de importantes escritores de su época y que hizo obras que se divulgaron muchísimo, que para el poeta francés Stephane Mallarmé fue “el dios intelectual” de su siglo.

Y que en una de sus cartas dejó escrito: “mi vida ha sido capricho, impulso, anhelo de soledad, mofa de las cosas de este mundo; un honesto deseo de futuro”.

 Resumen elaborado por Emilio y Miguel Ángel.

Y Miguel Ángel apunta que: “me ha sorprendido mucho que Poe  influyera a H.P. Lovecraft, autor que mi me gusta mucho”.

Otra de las redacciones destaca lo siguiente:

“Fue un escritor polifacético de su época. Su estilo literario le llevó a un romanticismo de ciencia-ficción.

De su vida personal destacar que sus padres murieron cuando era niño, lo que le llevó a ser  adoptado por una familia adinerada. Pero al tiempo su padrastro lo desheredó, lo que le llevó a enrolarse en el ejército. Se casó con su prima Virginia Clemm.

Quería editar su propio periódico pero no lo consiguió.

Murió en 1849 con 40 años de edad por varias enfermedades.

Su estilo literario fue simbolista y surrealista. Mantuvo relaciones con intelectuales de su época. Y estudió la cosmología, la criptología y el mesmerismo.

FUE UN HOMBRE DE LETRAS UNIVERSALMENTE RECONOCIDO”.

Resumen elaborado por Héctor y Pedro Carlos. 

¿QUIÉN SOY YO?

¿QUIÉN SOY YO?

En noviembre de 2013 desarrollamos en el taller de ARTETERAPIA una actividad que llevaba por título: “¿quién soy yo?”

Dicha actividad consistía en plantear a cada participante esta cuestión. Pidiéndoles que representaran aquello que quisieran contar a los compañeros acerca de ellos mismos, y que realizaran un cartel de presentación.

Se realizó un mural grupal donde plasmaron la huella de su mano y su firma y  las redacciones que habían elaborado sobre ellos, acompañadas de fotografías o dibujos que les facilitaban hablar de ellos mismos.

Una vez finalizado el taller y como actividad complementaria se preguntaba a los participantes que sabían ahora de sus compañeros y si la actividad les había servido para conocerse mejor.

Se trabajó mediante esta actividad los objetivos de vivenciar de modo positivo la experiencia de soledad en compañía del grupo,  desarrollar la expresión verbal de sus emociones y reconocer, tanto en ellos como en los compañeros, sus potencialidades.

Se crea por tanto una mayor cohesión grupal pues todos van creando el mural grupal y un clima de mayor confianza al hablar cada uno de sí mismo.

La creación del mural grupal simboliza el trabajo en equipo y genera una mayor conciencia de grupo.

¿QUIÉN ES ÉL?

¿QUIÉN ES ÉL?

Tras la actividad de “¿Quién soy yo?” y, puesto que muchos de ellos habían  manifestado en sus redacciones y relatos  que eran personas con  enfermedad mental, se pensó que sería muy positivo hablar de escritores, artistas, músicos, creadores, etc. que habían padecido algún tipo de trastorno o problema mental y que eso no les había impedido hacer grandes cosas.

Se perseguía con esto, mostrar a los grupos que las personas con enfermedad mental son capaces de realizar grandes cosas  y desestigmatizar el colectivo.

Para iniciar la actividad se le mostró al grupo la foto del personaje que se iba a trabajar en esas sesiones y se les preguntó ¿quién creían que eran?, ante el desconocimiento del personaje famoso, comenzábamos a investigar  sobre él. Se utilizó para ello búsqueda de información en internet, lectura de textos de aquellos personajes que eran escritores, visionado de películas de algunos de los personajes, visionado de obras de arte, etc.

Se trabajaron las biografías de Edgar Allan Poe, Van Gohg, Beethoven, Virginia Woolf, Jonh Nash. 

TALLER DE ARTETERAPIA

ARTETERAPIA EN A.F.E.S.

La Esquizofrenia es una enfermedad mental, definida como un trastorno que provoca distorsiones del pensamiento y de la percepción, afecto embotado o inadecuado, que son características y fundamentales en esta enfermedad. Las distorsiones del pensamiento y de la percepción se relacionan fundamentalmente con un sentido de invasión del yo. Y las dificultades que tiene una persona con esquizofrenia para distinguir entre el yo y el no yo, se denominan perdida de los límites del ego. Otra de las distorsiones del pensamiento se denomina pensamiento concreto y se refiere a la literalidad de la expresión y la comprensión, que también puede definirse como la ausencia  de la formación de símbolos.

El uso de medicación es el principal tratamiento para la esquizofrenia o las enfermedades similares, sin embargo, muchas personas continúan experimentando síntomas. Por ello, además de la medicación, las terapias creativas como el arte terapia pueden ser de ayuda, pues permiten a la persona explorar su mundo interior de una manera no amenazadora a través de una relación terapéutica y del uso de materiales artísticos.

El arte terapia es una de las terapias creativas que se pueden utilizar para ayudar a las personas con esquizofrenia ya que los materiales artísticos se utilizan para formar un vínculo y para hacer participar a  personas gravemente perturbadas en la terapia psicodinámica.

El uso del arte es un medio para forjar un vínculo con el yo del que se tiene poco conocimiento. El centro del arte terapia es la imagen y el proceso, que implica una transacción entre el creador, la obra de arte y el terapeuta. Como en toda terapia, se considera que traer sentimientos inconscientes a un nivel consciente y posteriormente explorarlos es válido para el arte terapia, pero aquí la riqueza del símbolo artístico y de la metáfora iluminan el proceso. A través de una imagen, un individuo puede comunicar tanto lo racional como lo irracional y encontrar una aceptación interpersonal que no tiene que amenazar la integridad del creador y puede ayudar a afirmar un sentido del yo.

Mª Paz Bastida Balsalobre. Marzo de 2012